A obra me surpreendeu por ser visualmente brilhante e carregada por uma performance absurda da Zezé Motta, que me arrancou fortes risadas pela trama. Zezé consegue trazer humor e drama para a história; toda vez que ela está em tela, é uma presença! Mas esse tom cômico presenciado no elenco no geral é um problema. O filme fica muito no mesmo, até que chega o Conde (José Wilker), que até parece bobão, mas é astuto. Ele até dá uma esperança de que o filme vai trazer novos rumos, mas o longa manteve a comicidade, o que me cansou, para ser sincero. Mas a obra guarda o impacto para o final, onde Zezé Motta reflete a sua versatilidade, mostrando uma Xica que antes vivia rindo em uma Xica impactada.

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Em Xica da Silva, que retorna aos cinemas em 4K em alusão aos seus 50 anos, é dirigido e escrito por Cacá Diegues e é

Por fim, Xica da Silva é uma obra essencial para ser vista no cinema, ainda mais agora com a riqueza visual da restauração em 4K. Mesmo com os problemas de narrativos decorrentes pelo excesso de comicidade, a força de sua fotografia e a atuação magistral de Zezé Motta garantem uma experiência digna da telona. Apesar de seus defeitos, continua sendo um baita filme.

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Em House Of The Dragon, a guerra continua avançando, mas esse quarto episódio da terceira temporada dá uma bela desacelerada e fica um pouco abaixo dos anteriores. Continuando diretamente a partir dos acontecimentos do episódio 3, o enredo mostra o avanço implacável dos Verdes quando Ormund Hightower (James Norton) invade Tumbleton e toma a cidade, estando acompanhado de Daeron Targaryen (Benjamin Evan Ainsworth) e elevando a temperatura do confronto. O grande acerto do episódio é explorar com precisão a paranoia crescente de Rhaenyra, que ficou completamente revoltada quando descobre que Ormund a enganou entregando outro menino no lugar do filho de Alicent. Agora, ela está obcecada em descobrir a identidade do voador de Rouba-Ovelhas por ter a certeza de que ele é o verdadeiro culpado pela trágica morte de seu filho Jace na Batalha da Goela.

O clímax do episódio de House Of The Dragon se constrói na percepção de que os segredos mais perigosos vêm de dentro da própria família. É fascinante observar Daemon (Matt Smith) descobrindo que a montadora do dragão é, na verdade, Rhaena (Phoebe Campbell). Em nesse raro momento de proteção, ele escolhe blindar a filha e mente para Rhaenyra (Emma D’arcy). Mas Rhaenyra não se sente convencida e passa a desconfiar de Daemon. Emma passa muito bem essa sensação de desconfiança, mostrando o que me parece uma Rhaenyra totalmente diferente, que após a morte de Jace (Harry Collett) surge mais tirana e cruel. Esse impasse entre o casal introduz uma ótima camada de suspense, mostrando que a aliança dos Pretos está rachando.

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Em House Of The Dragon, a guerra continua avançando, mas esse quarto episódio da terceira temporada dá uma bela desacelerada e fica um pouco abaixo

Por fim, House Of The Dragon mesmo trazendo de volta aquela pegada política que lembra os velhos tempos de Game of Thrones, o episódio 4 funciona mais como um ponto de transição, mostrando que a série sabe prender a atenção com diálogos e conspirações, mesmo que falte aquele impacto no roteiro que os três episódios anteriores tiveram.

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Em O Pitch, sob a direção de Joaquim Haickel e Coi Beluzzo, escrito por Haickel, acompanha um diretor e uma produtora que viajam a São Luís do Maranhão para conhecer cinco personas que carregam um amor ao cinema; e, nesse amor, existem histórias que vão nos fazer rir, chorar, se emocionar e se impactar. Afinal, essa é a magia do cinema.

A premissa é deliberadamente simples, mas rica em subtextos: acompanhamos o processo de pitching (a venda de uma ideia para produtores ou investidores), onde um diretor e sua produtora buscam uma história que fuja dos padrões do cinema brasileiro. O grande trunfo do roteiro, no entanto, é a forma como injeta dinamismo e humor nessa sala através de citações diretas a dois gigantes do cinema mundial: Pedro Almodóvar e Quentin Tarantino, por meio das histórias.

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A inclusão dessas referências transforma o pitch em um verdadeiro papo de cinema. Ao evocarem Almodóvar, os personagens buscam o melodrama escrachado, as cores saturadas e a intensidade das relações viscerais. A invocação de Tarantino traz o contrapeso perfeito: a ironia ácida e a violência. Esse choque entre a dramaticidade passional do cinema espanhol e o fetiche estético do cinema americano enriquece o texto de Haickel, que, a partir dessa metalinguagem, afasta o filme do clichê e o aproxima do público pelo amor universal pelo cinema.

O Pitch ganha tração na tela graças ao dinamismo e à entrega de seu elenco. A química entre Áurea Maranhão e Breno Nina é o que faz a história andar, equilibrando o peso dramático com a comicidade das narrativas contadas através das personas. O suporte do elenco composto majoritariamente maranhense ajuda a criar a atmosfera de autenticidade necessária para que os relatos das cinco histórias não pareçam tramas aleatórias do filme, mas sim histórias com potencial.

Por fim, O Pitch se revela muito maior do que sua premissa inicial sugere. Não se trata apenas de um filme sobre histórias para se fazer cinema, mas sim sobre o amor dessas pessoas colocado através de seus relatos; pessoas que cresceram vendo Titanic, Pulp Fiction, Tudo Sobre Minha Mãe… Joaquim Haickel reafirma que fazer cinema é, antes de tudo, um ato de paixão. O Pitch se consolida como uma pequena, vibrante e cinéfila janela para o mundo.

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Em Enola Holmes 3, sob a direção de Philip Barantini e escrito por Jack Thorne, retoma os acontecimentos de seus antecessores. Na trama, vemos uma Enola (Millie Bobby Brown) muito mais madura em relação à sua jornada no geral e prestes a se casar com Tewkesbury (Louis Partridge), só que a protagonista o abandona no altar ao saber que seu irmão, Sherlock Holmes (Henry Cavill), foi sequestrado. A partir disso, ela corre contra o tempo para impedir que algo trágico aconteça com seu irmão.

A direção de Barantini surpreende ao trazer uma Enola Holmes mais madura, mas sinto que ele não reconhece a personagem. O diretor dos dois primeiros filmes, Harry Bradbeer, saiu da direção, e eu senti isso durante o filme. A construção dos fatos até Enola encontrar a identidade do antagonista também é bem interessante e lembra um pouco os anteriores, mas não consegue o êxito que Bradbeer conseguia fazer. A trama acaba sendo muito clichê; o antagonista usado é péssimo, pois busca vingança contra Sherlock pelo fato de ele ter apenas atrapalhado seus planos no filme anterior, uma motivação rasa que empobrece a narrativa, parecendo um vilão do Scooby-Doo. A participação da mãe de Enola, Eudoria Holmes (Helena Bonham Carter), ao meu ver, deixou a trama, que já era arrastada, mais arrastada ainda. Porém, o filme se esforça para buscar a essência da personagem construída em filmes anteriores, e eu vejo a personagem totalmente desconexa disso.

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Apesar de a trama ter seus defeitos, também tem seus pontos positivos. Um deles é o Dr. Watson (Himesh Patel), que forma uma boa dupla com a personagem de Millie Bobby Brown. Mas o coração do filme está na relação entre Enola e Tewkesbury, e parte disso vem muito da Millie e do Louis.

No geral, Enola Holmes 3 peca ao entregar uma história que não faz jus ao legado construído anteriormente, entregando um antagonista ridículo e tosco, mas acerta na relação de seus personagens.

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Em House of the Dragon, vemos que a guerra sempre trouxe pesos graves, mas, nesse terceiro episódio da terceira temporada, a série entrega uma trama política que traz boas lembranças da era de ouro de Game of Thrones. Continuando a partir das consequências da Batalha da Goela, o enredo mostra o desafio de Rhaenyra para conquistar a confiança dos cidadãos de King’s Landing e como isso a fará tomar medidas drásticas. O grande acerto do episódio é explorar com precisão a vulnerabilidade do reinado de Rhaenyra diante da fome, do medo e do povo.

O clímax do episódio se constrói na percepção de que a diplomacia é falha. É fascinante observar como esse impasse faz com que Rhaenyra comece a tomar medidas que a fazem não reconhecer a si mesma. A atuação de Emma D’Arcy novamente rouba a cena nessa transição da personagem entre o “antes” e o “depois” do luto. A rainha que antes buscava a paz agora compreende que, para ter o que é seu por direito, precisará adotar a mesma crueldade que repudiava em seus opositores.

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Em House Of The Dragon, a guerra continua avançando, mas esse quarto episódio da terceira temporada dá uma bela desacelerada e fica um pouco abaixo

A partir disso, Rhaenyra começa uma caça desenfreada a Aegon, Aemond e Rouba-Ovelhas, buscando vingança pela morte de seu filho Jacaerys na Batalha da Goela e para que não haja sucessores dos Verdes ao trono. Essa postura da rainha incomoda os nobres, assemelhando-se a algo tirânico. Além disso, a trama começa a introduzir o filho mais novo de Alicent e Viserys: Daeron Targaryen. Além das primeiras desavenças com seus próprios aliados.

Com diálogos afiados que remetem aos tempos de ouro de Game of Thrones, House of the Dragon entrega, nesse episódio 3, uma trama política que prova que a série não necessita de dragões para atingir seu ápice, mas sim do impacto de certas decisões.

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Em House of the Dragon, vemos que a guerra sempre trouxe pesos graves, mas, nesse segundo episódio da terceira temporada, a série entrega uma das coisas mais dolorosas até aqui. Continuando a partir das consequências da Batalha da Goela, o enredo mostra como uma vitória pode ter um preço devastador. O preço dessa vitória foi a morte de Jace, o que muda completamente o rumo das coisas.

Na primeira metade do episódio, vemos uma Rhaenyra completamente abalada e afogada no luto. Quem a tira desse abismo é Daemon (Matt Smith): em uma dinâmica intensa, ele canaliza a dor e a transforma em vingança, convencendo-a de que a única resposta para a morte de Jace é o Trono de Ferro.

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O resultado disso é um clímax avassalador. Rhaenyra invade King’s Landing e toma o tão sonhado Trono de Ferro. Quando a personagem assume o posto, a direção deixa claro que aquela não é a Rhaenyra diplomática que vimos antes; essa é uma personagem que a perda mudou totalmente. Muito disso vem a partir da performance visceral de Emma D’Arcy, entregando versatilidade na personalidade de Rhaenyra.

A prova disso vem com a execução de Otto Hightower. Ao executar o principal traidor de Viserys, Rhaenyra não apenas elimina um inimigo político, mas destrói a raiz de onde tudo ocorreu. Ela cansa de negociar e passa a governar pela força.

Por fim, House of the Dragon entrega um episódio brilhante que equilibra a dor de seus personagens com um grande avanço na trama. Os Pretos conquistaram o trono, mas com consequências devastadoras.

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No longa Franz, dirigido pela aclamada cineasta polonesa Agnieszka Holland e escrito por Marek Epstein, acompanhamos um retrato impressionista, complexo e íntimo de Franz Kafka (1883–1924), um dos escritores mais aclamados do século XX até os dias de hoje. Longe de ser uma biografia tradicional, a narrativa que Holland introduz funciona como uma espécie de mosaico que mescla a realidade de Kafka com elementos de sua imaginação literária.

A trama acompanha Kafka desde a sua infância em Praga, sob o domínio austro-húngaro, passando por uma relação problemática com seu pai autoritário, seus amores e sua batalha contra a tuberculose. Ao mesmo tempo, a história projeta o impacto de sua obra no futuro, refletindo como um homem que passou a vida sendo um burocrata e pediu para que seus manuscritos fossem queimados acabou prevendo os horrores totalitários dos dias atuais.

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A direção de Agnieszka Holland me impressionou e impactou de verdade. Em parceria com Marek, o filme flui muito bem na pegada dramática, sustentado pela incrível atuação de Idan Weiss como Kafka. Ao mesmo tempo que Kafka é misterioso, ele se entrega por inteiro à sua maior paixão: a literatura. Além disso, o longa surpreende ao abraçar o humor peculiar do autor, me arrancando fortes risadas. Apesar de o longa transitar entre os acontecimentos de sua vida, ele usa os pensamentos de Kafka como uma quebra da quarta parede, nos levando direto à mente dele, além de trazer os pontos de vista dos personagens à sua volta. Contudo, a obra tem seus deslizes em certos momentos, mas nada que atrapalhe. A fotografia é deslumbrante, um espetáculo.

Por fim, Franz triunfa ao transformar a melancolia biográfica em pura poesia visual. É uma obra que impressiona pela direção segura de Holland, pela escrita perspicaz e por uma fotografia apaixonante, mas que encontra sua alma definitiva na atuação catártica e magnética de Idan Weiss.

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No longa O Velho Fusca, dirigido por Emiliano Ruschel e escrito por Bill Labonia, acompanhamos o jovem Junior (Caio Manhente), de 18 anos, que, em busca de seu lugar no mundo, descobre um velho Fusca 76 na garagem de seu avô Batista (Tonico Pereira) — um velho durão, amargurado e “pocas ideia”, por assim dizer. Com interesse no Fusca, Junior faz um acordo para ter o carro: fazer uma limpeza na casa do avô; nisso, ele descobre traumas geracionais em sua família. Com isso, o filme debate questões sobre masculinidade frágil, e com um humor bem ousado.

A direção e o roteiro me fazem lembrar de filmes cafonas da Sessão da Tarde, mas o diferencial é o abraço ao cafona e o fato de não esconder e ser o que é. A dinâmica entre Manhente e Pereira é repleta de carisma, uma química que transborda em tela. Confesso que o filme deveria ter focado menos no cômico e ido mais a fundo no drama, apesar de que o cômico da obra só funciona quando Tonico Pereira está em cena.

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Esperava mais do elenco, principalmente da Cleo Pires e do Danton Mello; e a Giovanna Chaves aqui ficou bem apagada e merecia um certo destaque maior, sim. O personagem de Christian Malheiros é irritante, e a obra perde muito de si mesma ao insistir nele. O maior acerto do filme é Caio Manhente e Tonico Pereira, que salvam a obra da mesmice e trazem reflexões bem pertinentes aos dias atuais.

Por fim, O Velho Fusca é cafona, mas é surpreendente, fazendo um feijão com arroz bem feito e entregando um filme que já vimos, só que de forma positiva.

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No longa Down: O Elevador da Morte, escrito e dirigido por Maryus Vaysberg, a trama se assemelha muito à do filme de mesmo nome de 2001, sob a direção de Dick Maas. A história desse longa narra a vida de um casal indo para a tão sonhada lua de mel nas Maldivas. Marina (Anfisa Chernykh) e Anton (Egor Kreed) veem seu sonho ser interrompido de forma claustrofóbica: eles acabam presos no elevador do 12° andar de um arranha-céu em Moscou.

O que inicialmente parecia ser uma falha comum ganha contornos aterrorizantes quando se revela um segredo. Havia um homem com eles que provocou o incidente de maneira proposital, que se chamava Victor (Igor Mirkurbanov). Movido por um desejo de retaliação, o homem transforma o elevador em uma armadilha mortal, iniciando um ataque violento e psicológico onde o casal precisará lutar com todas as forças para sobreviver.

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Até aí, o filme parece interessante, não é mesmo? E, de fato, ele apresenta pontos positivos principalmente no primeiro ato. Mas é aí que você se engana… De início, pensei que seria mais um daqueles filmes de ação genéricos que se sustentaria e entregaria uma trama coerente com a ideia inicial, mas depois disso o longa se perde total.

Vejo uma direção extremamente perdida na proposta. O roteiro é tão confuso — querendo encher o espectador de muitas informações ao mesmo tempo — que os próprios atores nem sabem como agir; até o casal principal parece perdido em cena, e nem eles conseguem salvar a produção.

Para piorar, as transições de câmera são extremamente malfeitas, sendo uma cópia bem descarada da técnica usada em Matrix, só que aqui com um tom mais arcade.

Por fim, Down: O Elevador da Morte entrega uma trama desconexa que sequer consegue ser boa. O resultado é um verdadeiro fiasco. Decepção total.

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A aguardada House of the Dragon retorna para sua tão esperada terceira temporada. Após uma segunda temporada marcada por intensos debates políticos e uma longa preparação de terreno, o retorno de HOTD não apenas resolve assuntos inacabados na temporada anterior, mas chega dando uma voadora ao entrar na Batalha da Goela logo no início do episódio — um dos confrontos mais brutais do universo de George R. R. Martin. Um episódio que mescla muito bem o espetáculo com o dramático, nos lembrando que, na Dança dos Dragões, o preço do tão sonhado trono é pago filho por filho.

A direção deste primeiro episódio merece aplausos de pé pela forma de condução da calmaria para a tensão. Em vez de apostar em planos fechados, a fotografia utiliza o contraste entre o azul do mar e as chamas dos temidos dragões para nos situar no conflito entre os Velaryon e a Triarquia.

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No entanto, o verdadeiro coração do episódio está no trágico. A morte de Jacaerys Velaryon (Harry Collett) me pegou desprevenido e deixou um nó na garganta, através de uma direção que nos traz uma morte dolorosa, triste e cruel para o personagem. Ao se privar de uma trilha sonora heroica no momento ápice, focando apenas nos sons secos das flechas e gritos agonizantes, a série despe a guerra de qualquer tipo de romantismo. Collett entrega uma atuação impressionante e de partir o coração, mostrando a transição de seu personagem heróico ao jovem desesperado ao apagar das luzes. Paralelamente, o peso do conflito se reflete do outro lado da moeda, onde vemos uma Alicent (Olivia Cooke) muito mais amedrontada diante das atitudes ousadas de Aemond, mostrando que o medo agora domina Porto Real.

Por fim, House of the Dragon retorna corrigindo a principal pulga atrás da orelha dos fãs em relação à sua segunda temporada, acelerando o ritmo sem perder o maior acerto até então: a profundidade dramática de seus personagens. Embora a batalha acabe rápido demais, o episódio é um show. House of the Dragon está de volta, mais sombria, madura e emocionante do que nunca.

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