“Cave ou Morra”. O slogan da nova comédia do mexicano Alejandro González Iñárritu, Digger, serve tanto como um trocadilho com o nome de seu protagonista, Digger Rockwell (digger, em inglês, significa “escavador”), quanto como um modelo de sobrevivência dessa sátira política. Estrelando Tom Cruise no que os trailers prometiam ser um dos papéis derradeiros de sua carreira, o longa subverte expectativas e recorre a elementos de um antecessor da carreira de seu autor — o aclamado Birdman (2014) — para fazer um estudo de personagem e construir um comentário crítico sobre o formato de uma certa tendência narrativa nas artes.
No longa Coyote vs. Acme, dirigido por Dave Green, parte de uma premissa aparentemente familiar ao trazer o clássico Wile E. Coyote em sua eterna
Na trama, acompanhamos Digger Rockwell (Tom Cruise), o homem mais poderoso do mundo e magnata do petróleo. Após uma base de exploração de sua empresa provocar um desastre ambiental catastrófico e de proporções globais, ele embarca em uma missão frenética e megalomaníaca para tentar reverter os danos e provar a si mesmo como o salvador da humanidade.
Desde sua cena de abertura, Digger apresenta uma estética única em comparação aos outros longas da filmografia de Iñárritu. As paisagens do fundo do oceano com bolhas subindo logo dão lugar a uma abertura teatral, com direito ao abrir de cortinas para a apresentação de nosso peculiar protagonista imerso em sua rotina caricata. Entre longos diálogos na luxuosa residência do magnata e ângulos de câmera disruptivos, como o uso do contra-plongée para realçar expressões de seus personagens e o uso dos planos abertos que valorizam a imensidão das salas, pouco a pouco vemos os bastidores patéticos das figuras poderosas frente a uma grande catástrofe. O filme marca mais uma parceria de Iñárritu com o diretor de fotografia Emmanuel Lubezki, conhecido por seus belos e inventivos planos-sequência (e que encontra, durante um monólogo, um dos momentos mais interessantes de sua carreira).
E “caricata” talvez seja a palavra que melhor define a estética predominante em boa parte do longa. Desde as atuações mais espalhafatórias até o visual acinzentado, a sensação de estranhamento com as figuras bizarras na tela é constante. Não há virilidade, e a maioria das figuras do núcleo principal (incluindo o próprio gato de Digger) passa a sensação de ter sido drenada até a última gota.
Digger flerta com o formato da tragédia do absurdo para fazer um comentário social, sobretudo no contexto estadunidense, ideia seguida por filmes e séries recentes como Não Olhe para Cima (2021) e The Boys (2019–2026). Os personagens exagerados e os acontecimentos criam paralelos com a realidade. Porém, a proposta de Iñárritu é também refletir sobre a função da espetacularização da tragédia como crítica.
A figura de Digger, em certo ponto, funciona como um “malhação de Judas”, tanto da população de seu universo quanto do espectador. São raros os momentos em que é possível simpatizar ou concordar com suas ideias, sendo ele a figura pitoresca e patética de um magnata a ser odiado. É prazeroso odiá-lo, e o filme é consciente disso.
Iñárritu foi ousado ao conceber essa obra que fica à mercê de um dispositivo narrativo que subverte as expectativas do público. Ao recusar usá-lo como um possível plot twist no último ato, ele antecede a revelação e a posiciona pouco antes da metade do filme, fragmentando a história em duas linhas e explorando os caminhos entre a figura de Rockwell junto aos envolvidos no desastre ambiental e a daqueles que relembram e recontam essa história. A decisão pode dividir o público, mas, na opinião do autor deste texto, foi uma decisão de gênio.
A trilha sonora é divertida e peculiar. Os sons parecem ter saído de algum dos álbuns mais recentes da Björk, com instrumentos de sopro e sintetizadores. As composições se assemelham ao estilo de uma trilha sonora de fábula fantasiosa e estranha, entre a comédia e a tragédia, utilizando uma paisagem sonora de sons da natureza.
De fato, Tom Cruise entrega aqui uma de suas melhores performances em tela. Entre sotaques carregados, maneirismos físicos e grandes monólogos megalomaníacos como Digger, além de momentos mais introspectivos como a contraparte Curtis Markson, ele é o ponto central do longa.
O Digger Rockwell apresentado é egocêntrico, malandro e patético. Sua síndrome de grandeza o faz pensar que eles está acima de qualquer lei — até mesmo a da vida —, mantendo seu gato de mais de 30 anos vivo contra todas as expectativas e crendo que ele é capaz de operar verdadeiros milagres. Já a contraparte Curtis divaga sobre o real e o imaginário da vida de Rockwell e seu papel em um contexto particular (além de uma trama secundária que tinha pouco a entregar além de um sinistro e discreto ato do personagem Kenny).
A metanarrativa fortalece as camadas de um personagem que parecia ter todos os elementos de um Oscar Bait: um ator consagrado utilizando maquiagem pesada para um “filme de personagem”. Porém, o que acaba se apresentando é um comentário sobre a própria função do ator e de Cruise (ou Curtis), algo semelhante ao que foi apresentado em Birdman, com Michael Keaton interpretando um personagem com um background que se assemelhava à sua própria trajetória.
No elenco de apoio, destacam-se o ótimo John Goodman, interpretando o presidente dos Estados Unidos em uma atuação burlesca e espalhafatosa, na qual seu personagem está em constante decomposição viva; e Riz Ahmed no papel do cientista que contrapõe as ideias negacionistas de Digger e sua trupe. Há ainda Sandra Hüller como Emma e Jesse Plemons em uma curta participação como o misterioso Kenny.
O final do longa é uma das celebrações mais amargas possíveis, tanto de uma plateia projetada quanto do espectador. O retorno à realidade enquanto os créditos finais são apresentados é de um desconforto grande o suficiente para permear a mente do espectador por um tempo. É de se questionar o que estamos aplaudindo quando uma obra é a crítica direta a uma figura controversa. O público pode se sentir vingado em tela ao ridicularizar figuras poderosas, mas, com as luzes acesas (do teatro e do cinema), a realidade se choca com a experiência efêmera da arte.
Longe de ser apenas uma sátira convencional sobre a crise climática e o negacionismo das elites, Digger se recusa a entregar uma resposta reconfortante. Iñárritu entrega um filme que expõe as ilusões da própria classe artística e confronta o espectador com sua cumplicidade voyeurística na espetacularização e na relativização da memória, trazendo uma inquietação duradoura sobre até que ponto essa espetacularização neutraliza a nossa capacidade de agir no mundo real. Ao final, resta um filme incômodo, inventivo e fadado ao estatuto de cult, que permanece ecoando na mente muito após o apagar das luzes. De fato, Digger Rockwell deixa sua marca em seu universo.
